jueves, 23 de junio de 2011

Antonio López, un descubrimiento

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Seguro que mis alumnos no conocen a Antonio López. Pero como son tan "clásicos" que, como diría el Mozart de Milos Forman, casi "cagan" mármol, estoy plenamente seguro que va a ser uno de sus autores preferidos. Su hiperrealismo auna modernidad y tradición. Una muestra y unos enlaces a la exposición.


El Museo Thyssen-Bornemisza ofrece una magistral retrospectiva del autor durante este verano, que se va a convertir en un imprescindible para estas vacaciones.






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sábado, 11 de junio de 2011

1918-1945: la búsqueda de un nuevo orden


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Para acabar cayendo tras la Segunda Guerra Mundial en el más absoluto y genial desorden artístico que hayan visto los tiempos.

L
os intentos de crear una linea argumental nueva dentro del arte se topan con el mantenimiento a algunas ideas que han calado ya en los artistas: la ruptura con el canón clásico permite crear dentro de un rango amplísimo de posibilidades; el fracaso de los movimientos "modernos", cerrados y maniatados por una idelogía artísitca irrenunciable; el ascenso del artista a la categoría de fenómeno social de masas, creando mitos y un nuevo grupo de "academicos" del arte encastillados en el lenguaje de las vanguardias.

Este periodo histórico, convulso por el ascenso de los fascismos y las dictaduras, del comunismo y la lucha obrera; por la llegada de las guerras, menores en China, Abisinia o España y mayores, como la Segunda Guerra Mundial, apenas aporta nada innovador al conjunto de la historia del Arte.
Quizas tan solo dos cosas: la profundización en ideas y conceptos anteriores, caso de la abstracción -que tendrá su auge definitivo en EE.UU. y en la postguerra como el expresionismo abstracto- y el desarrollo del Surrealismo.

El Surrealismo se debe en gran parte a las ideas y planteamientos de André Breton. Siempre se sintió cerca del psicoanálisis -las teorías de Freud del subconsciente y los sueños fueron constantemente explotadas-, el marxismo, el ocultismo y los principios literarios y artísticos de Rimbaud o Lautréamont.
Aunque muchos consideran este movimiento y sus ideas herederos del Dadá, el Surrealismo de Breton tiene una clara organización como grupo y una construcción doctrinaria muy intensa, debida en gran parte a su creador pero también a figuras como Max Ernst o Jean Arp.


El optimismo surrealista contrastaba con la negación dadá, con su interés por la destrucción del arte. El surrealista lo que pretendía era la transformación total de la forma de pensar de la gente. Al romper los límites entre el mundo interior y el exterior, y cambiar la manera de percibir la realidad, estos artistas querían liberar el subconsciente, reconciliarlo con la conciencia y liberar a la humanidad de las cadenas de la lógica y la razón, las cuales habían llevado al mundo a la guerra y la dominación política.


El surrealismo, como idea o modelo, fue muy atrayente para muchos artistas. Muchos cayeron en el llamado surrealismo "orgánico" como Miró o Arp mientras que el más conocido fue, sin duda, el surrealismo "onírico" de Dalí, Magritte o Tanguy.

Max Ernst, Man Ray o Jean Arp
, inicialmente


Ernst, Nadador ciego, cuadro clave en el movimiento

André Masson, Joan Miró o Yves Tanguy, en la siguiente generación

Y, a finales de los veinte y en los treinta ... Salvador Dalí, Magritte o Alberto Giacometti

Salvador Dalí, El gran Masturbador


El surrealismo se convirtió en un movimiento mundial en la década de los años 30, invadiendo la fotografía, el cine y las artes escénicas. Se convirtieron en un arte "popular" gracias a las grandes exposiciones de Bruselas, París o Nueva York. Al estallar la II guerra mundial, la mayoría de artistas emigraron a EE.UU. pero la fuerza de la abstracción o del existencialismo de Sartre acabaron con su importancia.


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miércoles, 8 de junio de 2011

Vanguardias IV: Expresionismo, el camino hacia la madurez de las vanguardias

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El cubismo y el fauvismo no bucean en el potencial expresivo de los autores a través de sus obras.

El cubismo, incluso el sintético, crea formas pero no manifiesta ni las viviencias del alma, ni el sufrimiento del cuerpo, ni muestra ideología social o política alguna, ni critica la sociedad ni el arte.
Igual, en menor medida, le ocurre al fauvismo, más cercano a las nuevas ideas artísticas de Alemania, Holanda o Austria. Los fauvistas sí muestran cierta "audacia" visual, usando dibujos simples, formas exageradas o colores contrastados que muestran la libertad del pintor al crear. pero ahí se quedan.

Falta algo.
Algo que Van Gogh en su locura ya había trazado o que Vlaminck, el fauvista holandés, proponía en sus pinturas: la visión intensa, angustiosa a veces, espiritual otras, del mundo que nos rodea.

Estamos ante el expresionismo. Quizás sea uno de los estilos más prolíficos tanto por la cantidad de autores que lo siguen y la vasta obra que hacen como por su extensión en el tiempo. Podemos extender el expresionismo hasta su versión abstracta tras la II guerra mundial en los años 50 y 60 en Estados Unidos.

Hagamos un repaso de la ingente producción y sus diferentes estilos:

Múltiples autores se acercarona esta tendencia sin generar un grupo organizado a su alrededor; caso de E. Munch, en Noruega; Oskar Kokoschka, en Austria; Solana, en España o James Ensor en Bélgica.


Solana______________Munch
Kokoschka_______________Ensor

Sin embargo en el entorno alemán y de los países bajos sí se crearon corrientes de autores, unidos por un Manifiesto y con unos presupuestos pictóricos comunes. Son

Die Brüke (El Puente) con Kirchtner, Schmidt-Rotluff, Nolde, Henkel y Pchtein. El movimiento se creo entre 1906 y 1910.

"Con la fe puesta en el desarrollo y en una nueva generación de creadores y consumidores, hacemos un llamamiento a la juventud, y como juventud portadora del futuro, queremos procurarnos la libertad de vivir y actuar frente a las fuerzas tradicionales. Todo aquél que refleje en sus obras espontánea y verídicamente toda su fuerza creadora, es de los nuestros".

Manifiesto de fundación del movimiento artístico Die Brücke, 1905


Cinco mujeres en la calle de Kirchner, 1912_____________Autorretrato de Schmidt-Rotluff, 1906

Para ellos la pintura representa el plano fundamental de la experiencia sensible. El pintor transforma en obra de arte su propia experiencia personal ante la vida. La técnica pictórica queda, pues, supeditada a la expresión de los valores o inquietudes del artista. Se destruye todo canón que pudiera romper la manifestación de la inspiración inmediata.
Muestran, por tanto,...
  • una pincelada gruesa, rápida, que diluye las formas por su trazo y rapidez de ejecución
  • unos colores inspirados en el fauvismo pero de una gama cromática más oscura
  • No es una pintura hedonista, hermosa o brillante, más bien estridente, grosera y, a veces, dura.
Pero en esas mismas fechas surgió, en el mismo ambiente que Die Brüke, un movimiento que apostaba por un arte que expresara la fuerza interior del autor pero alejada de presupuestos políticos y sociales. Tan sólo expresión, incluso abstracta, de las diferentes armonías que vive, percibe o siente el artista dentro del mundo que le rodea.

Der Blaue Ritter (El caballo azul) se crea como rechazo a los presupuestos pictóricos y vitales de Die Brüke. Desde 1912 Kandinsky, Marc, Kubin y Münter formaron este estilo. El instito y el temperamento va a ser sustituido por una visión más filosófica y espiritual de la concepción artística. Coincidían con Diie Brüke en criticar a la sociedad y rechazaban las concepciones artísitcas anteriores pero su intención hacia la obra artística es diferente.

"Nuestro objetivo es mostar cómo, en la variedad de formas representadas, el deseo interno del artísta se realiza a sí mismo de múltipoles formas"
Kandinsky, prefacio exposición de Der Blaue Ritter, 1911

El Sueño, de F.Marc_______________________ Composición nº IV, de W. Kandinsky

Tendían a una purificación de los instintos más que a desencadenarlos sobre el lienzo; no buscaban un contacto físico con lo primordial -como Cezanne o los cubistas-, sino más bien un modo de captar la esencia espiritual de la realidad. Su formula es hacer vibrar la secreta esencia de la realidad en el alma, actuando sobre ella con la pura y misteriosa fuerza del color liberado de la figuración naturalista.
Así, estos autores apuestan por:
  • pintar con formas muy suaves y desvahidas, de pinceladas largas y muy sueltas
  • usar colores muy luminosos con transiciones suaves entre ellos
  • tener una cierta tendencia a la abstracción de las formas que, luego, desarrollará totalmente Kandinsky.
  • Sus presupuestos teóricos aparecen en la obra de Kandinsky "De lo espiritual en el Arte".
  • evadirse en sus temas de la critica social o de las representaciones tradicionales para acudir a temas cotidianos e intrascendentes que muestren toda la fuerza de sus colores y sus sentimientos
La Guerra Mundial cambiará todos estos presupuestos...su dureza, su irracionalidad, el sufrimiento que provocó durante y después de la misma, la crisis social y política que se desencadenó en Europa acabaron con este modelo de expresionismo.

El expresionismo es la madre de la abstracción, el tío del surrealismo y el abuelo del expresionismo abstracto de postguerra. Un movimiento muy poderoso, con una gran carga intelectual y filosófica, muy alejado de la comprensión popular y, por ello, también muy denostado.

Algunas webs a consultar...


http://ultimorender.com.ar/funkascript/expresionismo/solo_texto.htm

http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/expresionismo.php
Expresionismo, estilo a estilo


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Vanguardias III: "Dadá" o la ruptura total...

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Marcel Duchamp
Man Ray, Kurt Scwitters y Francis Picabia



Cuando estudié arte contemporáneo en la carrera, nuestro profesor nos enseñó varias láminas para ver nuestra reacción ante iconos del arte actual. Dos me llamaron la atención poderosamente: una fue una isla cubierta por un enorme lienzo blanco de Christo y otra, La fuente de Marcel Duchamp.

Siempre me sorprendieron y no gratamente los dadaistas. Ponían en solfa la racionalidad y parecían reirse de los principios más elementales de nuestra sociedad. Me parecían exasperantes y poco serios. "Juegos de ricos" decía yo.

Sin embargo, con el tiempo su trasgresión me ha parecido muy moderna. Incluso las actuales rupturas culturales parecen a la vista de los dadaistas pobres y poco creibles. Cuanto más mayor e imperfecto me veo, más me gusta su ruptura con lo establecido, su búsqueda de lo aleatorio, la belleza del caos.

Dadá se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.

Dadá se manifiesta contra la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento, contra la pureza de los conceptos abstractos y contra lo universal en general.

Propugna, en cambio, la desenfrenada libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, actual y aleatorio, la crónica contra la intemporalidad, la contradicción, el no donde los demás dicen sí y el sí donde los demás dicen no; defiende el caos contra el orden y la imperfección contra la perfección.


Picabía, "Hera" y Man Ray "El violín de Ingres"


Por tanto en su rigor negativo también está contra el modernismo, es decir, el expresionismo, el cubismo, el futurismo y el abstraccionismo, acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. Sin embargo, la realidad es que cuando nace Dadá ya estaban afirmadas todas las tendencias y fue contra ellas pero terminó utilizando en su acción los hallazgos e innovaciones del cubismo, del futurismo y de la abstracción.

Como movimiento artístico surge en Europa y EE.UU. Apareció en Zurich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan Tzara como su fundador. La energía de Dadá le vino, sobre todo, de los intelectuales no artistas o de aquellos artistas que sabían escribir con intensidad y buen hacer, caso de Arp, Van Doesburg, Picabia o Kurt Schwitters.

La primera guerra mundial también llevó a Nueva York a grupos de artistas y refugiados. Entre ellos hay que destacar a Duchamp, Picabia y Jean Crotti como europeos refugiados, junto con los estadounidenses Man Ray y Morton Scamberg.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready-mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos.

Estos refugiados se integraron con las corrientes vanguardistas que desde comienzos del siglo se estaban gestando en Harlem o en Greenwich Village. El pensamiento dadá caló con fuerza en estos ambientes culturales. Será aquí cuando se desarrolen algunos de los iconos del dadaismo como el Desnudo descendiendo una escalera, de Duchamp, calificada como obra maestra por André Breton.


MARCEL DUCHAMP

Rueda de bicicleta con taburete, Desnudo bajando la escalera, La fuente

El fin de la guerra y el ambiente de libertad generado por la República de Weimar dió lugar a un nuevo grupo dadá en Alemania, a partir de 1919. El movimiento dadá berlinés pasará a la historia por la incorporación de las nuevas técnicas artísticas de difusión de ideas entre las masas, principalmente el fotomontaje. Los dadaístas utilizaron la técnica del fotomontaje y del collage para plasmar la realidad que les circundaba, utilizando material visual sacado de los medios de comunicación.

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miércoles, 1 de junio de 2011

Vanguardías II: Las "fauves" del color

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Vlaminck, Paisajes con árboles rojos, 1906____________________ Henri Matisse, Armonía en rojo, 1908


Paul Gaugin dijo a comienzos de 1888 a los miembros del grupo de Port-Aven: "¿Cómo veis este árbol?, mirando un rincón del bosque de Amour, " ¿Verde?. Entonces poned verde, el verde más bello de vuestra paleta. ¿Y esta sombra?, ¿más bien azul?. Entonces no tengáis reparo en pintarla con el azul más intenso posible...".

Les estaba descubriendo la esencia de su pensamiento: Cada obra que se hace no es real, es la transposición al lienzo de la sensación recibida. La idea de copiar la naturaleza quedaba apartada definitivamente del ideario del pintor. ¿ Por qué no traducir al lienzo esas mismas impresiones que tienen los poetas sobre las cosas, incluso exagerándolas hasta deformar colores y formas?. Estas ideas calan en dos grupos artísticos claramente diferenciados: los nabis, liderados por Bonnard y Denis, y los fauvistas, grupo organizado alrededor de Matisse.

Matisse, Braque, Vlaminck, Derain, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y Van Dongen
formaron el grupo llamado Fauvista tras el Salón de Otoño de 1905. No eran un grupo cohesionado, no tenían un "Manifiesto". Era, más bien, un sentimiento de compartir un ansia de ruptura dentro del arte. El movimiento es efímero y algunos de sus presupuestos son tomados por otras vanguardias, como el expresionismo.


Matisse ante la creciente presencia del cubismo entre los pintores de vanguardia, afirmó:
" Nosotros queremos alcanzar un equilibrio interior mediante la simplificación de las ideas y las formas figurativas".¿ Qué quería decir?


Para ellos los cuadros no debían ser decoración, orden y composición sino tan sólo EXPRESIÓN. La pintura se convierte así en la forma de desencadenar sobre el lienzo el torrente de emociones y sentimientos que tiene el artista. Es la liberación del instinto y el temperamento, que se sobrepone sobre la forma y el realismo.
Matisse pone las bases del movimiento en su cuadro
Lujo, calma, voluptuosidad, de 1904.


Lujo, calma y voluptuosidad, 1904________________________________________La alegría de vivir 1905

Vlaminck desprecia el cientifismo de momentos pasados ( perspectiva, proporción, teoría de los colores,...) y acude a las explicación de su pintura a través de palabras como audacia, provocación, libertad, barbarismo,etc. Técnicamente, se caracterizan por una gama de colores muy brillante y saturada, el empleo libre y subjetivo de los colores, decorativismo de la composición más que realismo y una pincelada más cercano al post-impresionismo que a otros movimientos. Es lo que se ha dado en llamar el Naturalismo subjetivo. No rompen con las formas tradicionales de pintar -no son cubistas- pero sí alteran los colores y la composición tradicional para alcanzar una expresión totalmente personal de lo representado.

Una de las obras clave fue
el retrato de la mujer de Matisse ( Madamme Matisse o La raya verde ): de vibrantes colores poco naturalistas y con pinceladas potentes, densas de materia y rápidas, casi delirantes, esta obra fue una provocación por cuanto la representación real se reconocía perfectamente. La sustitución de la nariz por una raya verde o la sombra del rostro velada al amarillo marcan el estilo del autor.



Por otro lado, Derain pintó una serie de e
scenas del río Támesis, que rápidamente fueron puestas en comparación con las de Claude Monet. Mientras que los cuadros de Monet son estudios de luz y atmósfera, el fondo de la obra de Derain es la alegría del color. Se vuelve a la linea como refuerzo, con el color, de las formas pero se simplifican hasta hacerse casi sintéticas o esquemáticas.



http://www.liceus.com/cgi-bin/aco/ar/05/05028.asp

http://aprendersociales.blogspot.com/2007/05/la-pintura-fauvista.html

http://perspectivaerea.blogspot.com/2010/10/vanguardias-artisticas-ii-fauvismo.html


Sobre Matisse
http://brevehistoriadelarte.blogspot.com/2009/01/henri-matisse.html


Paseo virtual por el estilo
http://www.nga.gov/feature/artnation/fauve/beasts_1.shtm
http://www.arteuniversal.com/estilos+ismos+movimientos/siglo+XX/vanguardias+historicas/fauvismo.php


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How do you say in English...?

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